Noi siamo felici. Ma veramente felici, sapete? Perché quando la stagione autunnale subentra al calore estivo, l’intero territorio veneto si accende e ci regala un calendario di mostre che ha del prodigioso. Quello che ci attende in questo autunno-inverno 2026-2027 è un vero e proprio festino per lo spirito!

Guardate cosa succede a Vicenza: la Basilica Palladiana – che già di per sé è un’invenzione architettonica da far tremare le vene ai polsi – ospita un progetto di respiro europeo con due secoli di confronto visivo tra Italia e Germania, da Canova a Kiefer. Una roba letteralmente pazzesca!

Ma a Padova, a Palazzo Zabarella, assistiamo a un evento di caratura internazionale irripetibile: una maestosa monografica dedicata a Max Pechstein. Un artista cruciale, figura di spicco del gruppo Die Brücke, che con la sua pittura pulsante e le sue grafiche potenti ha plasmato la rivoluzione dell’Espressionismo tedesco. Vedere oltre 120 sue opere ripercorrere cinque decenni di ricerca – tra la nostalgia dell’armonia della natura, i viaggi nei Mari del Sud e la resistenza al marchio nazista di “arte degenerata” – è un’opportunità di una profondità rara.

E la meraviglia continua! A Treviso assistiamo al ritorno trionfale della Casa dei Carraresi, che risorge come polo permanente dedicato al Novecento e all’opera dello scultore Grisha Bruskin. Gustav Klimt unisce poi due piazze fondamentali, mostrandosi nella cornice botanica di Villa Freya ad Asolo e fandosi gigante al MUVEC di Mestre, dove la sua Giuditta II dialoga con Schiele, Kokoschka e l’evoluzione del corpo nell’arte contemporanea.

A Verona, il Museo di Castelvecchio festeggia il suo centenario portando eccezionalmente dal Prado la splendida Venere con cane e suonatore d’organo di Tiziano per raccontarci l’armonia musicale del Rinascimento, mentre Palazzo Roverella a Rovigo si trasforma nel tempio del Surrealismo con oltre trecento opere e le invenzioni visive di Man Ray. Senza dimenticare la Collezione Peggy Guggenheim, che rievoca l’epopea visionaria della Fucina degli Angeli, dove il vetro muranese incontra i grandi del Novecento, e la potente fotografia di Sebastião Salgado al Museo Civico di Bassano.

Insomma, siamo di fronte a una mappa della bellezza di rarissimo splendore. Noi di Flarte vi abbiamo preparato questo itinerario: prendete nota e preparatevi a questo meraviglioso viaggio!

AGENDA MOSTRE

– La materia dei sogni. Radici dell’Arte Africana Contemporanea
Museo di Santa Caterina, Treviso (3 settembre 2026 – 15 gennaio 2027)

– Klimt a Villa Freya. Bellezza e natura nelle grafiche d’arte
Villa Freya, Asolo (26 settembre 2026 – 24 gennaio 2027)

– Klimt, Schiele, Kokoschka e il corpo nell’arte contemporanea
MUVEC, Mestre (26 settembre 2026 – 14 febbraio 2027)

– Collezione Fondazione Cassamarca: L’arte del ‘900 e Grisha Bruskin
Casa dei Carraresi / Ca’ dei Brittoni, Treviso (dal 2 ottobre 2026)

– Andrea Previtali discepolo di Giovanni Bellini
Museo di Villa Bassi Rathgeb, Abano Terme (17 ottobre 2026 – 7 febbraio 2027)

– Ritratti di donna
Palazzo Sarcinelli, Conegliano (21 ottobre 2026 – 4 aprile 2027)

– Sebastião Salgado
Museo Civico, Bassano del Grappa (24 ottobre 2026 – 4 aprile 2027)

– Max Pechstein
Palazzo Zabarella, Padova (24 ottobre 2026 – 14 marzo 2027)

– La Venere di Tiziano e il Rinascimento musicale
Museo di Castelvecchio, Verona (31 ottobre 2026 – 31 gennaio 2027)

– Man Ray. Il maestro del Surrealismo
Palazzo Roverella, Rovigo (13 novembre 2026 – 31 gennaio 2027)

– Italia Germania. Pittura e scultura tra Ottocento e Novecento. Da Canova a Kiefer
 Basilica Palladiana, Vicenza (13 novembre 2026 – 2 maggio 2027)

– Fucina degli Angeli. Peggy Guggenheim e il vetro artistico del Novecento
Collezione Peggy Guggenheim, Venezia (14 novembre 2026 – 29 marzo 2027)

– Babel
Fondazione Coppola, Vicenza (In allestimento / Prossima apertura)

INFORMAZIONI MOSTRE 

1) La materia dei sogni. Radici dell’Arte Africana Contemporanea
Sede: Museo di Santa Caterina, Treviso
Date: 3 settembre 2026 – 15 gennaio 2027
Un’ampia e rigorosa indagine sulle origini dell’arte contemporanea africana attraverso oltre 120 opere realizzate prevalentemente tra gli anni Settanta e Novanta del Novecento. La mostra esplora la nascita di un linguaggio visivo autonomo, libero da condizionamenti esterni, dove il rito e la quotidianità si trasformano in materia onirica. Tra dipinti, sculture, fotografie e installazioni, il percorso raccoglie i lavori di 23 grandi maestri dell’Africa subsahariana, tra cui Georges Lilanga, Esther Mahlangu, Seyni Awa Camara e molti protagonisti della storica esposizione Magiciens de la Terre tenutasi nel 1989 al Centre Pompidou di Parigi.

2) Klimt a Villa Freya. Bellezza e natura nelle grafiche d’arte
Sede: Villa Freya, Asolo (TV)
Date: 26 settembre 2026 – 24 gennaio 2027
Prima mostra in assoluto ospitata a Villa Freya e prima esposizione dedicata a Gustav Klimt nella città di Asolo. Il percorso raccoglie circa settanta opere tra rare collotipie, preziosi disegni originali provenienti da collezioni private (alcuni esposti per la prima volta) e rari esemplari della rivista Ver Sacrum. La rassegna approfondisce i temi della bellezza e della natura, snodandosi tra paesaggi ed eleganti figure femminili, e creando un suggestivo dialogo tra il linguaggio intimo del maestro viennese, la storia della scrittrice-viaggiatrice Freya Stark e la cornice paesaggistica e archeologica della dimora asolana.

3) Klimt, Schiele, Kokoschka e il corpo nell’arte contemporanea
Sede: MUVEC, Mestre (VE)
Date: 26 settembre 2026 – 14 febbraio 2027
Prima grande mostra di respiro internazionale ospitata al MUVEC di Mestre, incentrata sull’evoluzione del corpo nell’arte dal Novecento a oggi. Il percorso espositivo prende avvio dalla celebre Giuditta II di Gustav Klimt (conservata a Ca’ Pesaro) per snodarsi attraverso 47 opere (tra dipinti, sculture, grafiche e fotografie) di maestri come Klimt, Egon Schiele, Oskar Kokoschka, Felice Casorati, Mario Sironi, Yves Klein, Piero Manzoni, Ana Mendieta e Gina Pane. La rassegna mette in dialogo la Vienna di inizio secolo con le inquietudini del “ritorno all’ordine” tra le due guerre e le rivoluzioni della Body Art e dell’arte concettuale degli anni Sessanta e Settanta, mostrando come il corpo si sia trasformato da soggetto di rappresentazione a strumento, materia e linguaggio politico dell’opera.

4) Casa dei Carraresi – Collezione Fondazione Cassamarca: L’arte del ‘900 e Grisha Bruskin
Sede: Casa dei Carraresi / Ca’ dei Brittoni, Treviso
Date: Dal 2 ottobre 2026
Attesissima riapertura dello storico complesso duecentesco di Casa dei Carraresi come museo permanente diffuso dedicato al patrimonio della Fondazione Cassamarca. Il nuovo allestimento presenta oltre 300 opere organizzate in tre percorsi tematici (paesaggio, figura umana e linguaggi del Novecento), attingendo al vasto Fondo Bortolan con lavori di artisti come Vedova, Fontana, Santomaso, Guttuso, Sironi e Plessi, assieme ai grandi maestri della pittura veneta. Nelle adiacenti sale medievali di Ca’ dei Brittoni trova collocazione permanente la donazione dello scultore contemporaneo russo Grisha Bruskin, intitolata Sull’orlo del tempo, con quattro grandi cicli scultorei dedicati alla memoria, al potere e alla fragilità dell’esistenza.

5) Andrea Previtali discepolo di Giovanni Bellini
Sede: Museo di Villa Bassi Rathgeb, Abano Terme (PD)
Date: 17 ottobre 2026 – 7 febbraio 2027
Rassegna scientifica promossa dal Comune di Abano Terme con l’Università di Padova e la Soprintendenza ABAP, focalizzata sulla figura di Andrea Previtali (1470 ca. – 1528) e sulla pratica di bottega nel Rinascimento tra Venezia e Bergamo. Il percorso espositivo mette in luce l’evoluzione del pittore – formatosi alla scuola di Giovanni Bellini e influenzato da Carpaccio, Giorgione, Dürer e Lorenzo Lotto – attraverso il confronto con maestri compagni di epoca come Francesco Bissolo, Girolamo da Santacroce, Palma il Vecchio e Cariani. Evento centrale della mostra è lo storico ricongiungimento della tavola raffigurante un santo vescovo (della collezione Bassi Rathgeb) con gli altri due sportelli del trittico originale della Chiesa dell’Annunziata di Serina.

6) Ritratti di donna
Sede: Palazzo Sarcinelli, Conegliano (TV)
Date: 21 ottobre 2026 – 4 aprile 2027
Un’ampia e suggestiva ricognizione sull’universo femminile a cavallo tra Ottocento e Novecento attraverso oltre 70 dipinti originali provenienti da musei e collezioni private. Il percorso espositivo racconta l’evoluzione dell’immagine e del ruolo sociale della donna dalla Belle Époque al secondo dopoguerra: dalle eleganti ed erotiche femmes fatales di Giovanni Boldini e Giacomo Grosso alle scene di vita quotidiana e di emancipazione operaia dipinte da Federico Zandomeneghi e Ulisse Caputo. Tra le opere spiccano eroine della letteratura come Lucia Mondella e la Monaca di Monza, un tributo alla Regina Margherita (con l’originale mantello nuziale) e la monumentale forza delle figure di Mario Sironi, fino alla celebre litografia di Pablo Picasso Le Corsage à Carreaux del 1949.

7) Sebastião Salgado
Sede: Museo Civico, Bassano del Grappa (VI)
Date: 24 ottobre 2026 – 4 aprile 2027
Un’imponente rassegna dedicata a Sebastião Salgado, tra i più grandi maestri della fotografia contemporanea. Il percorso espositivo ripercorre i momenti cruciali della sua carriera e della sua poetica: dall’attenzione per i mutamenti geopolitici e sociali alle monumentali inchieste sulla dignità del lavoro umano (como la celebre serie La mano dell’uomo), fino alle testimonianze sui grandi esodi e al genocidio in Ruanda. Ampio spazio è dedicato anche alla svolta ecologista dell’autore con il progetto Genesi, un omaggio alla potenza della natura incontaminata, realizzato in parallelo alla straordinaria opera di riforestazione promossa da Salgado nella propria terra d’origine in Brasile.

8) Max Pechstein
Sede: Palazzo Zabarella, Padova
Date: 24 ottobre 2026 – 14 marzo 2027
Imponente retrospettiva monografica dedicata a Max Pechstein (1881–1955), figura chiave del gruppo Die Brücke e tra i massimi esponenti dell’Espressionismo tedesco. Attraverso oltre 120 opere – tra dipinti, acquerelli, disegni, fotografie e oggetti personali – la mostra ripercorre oltre cinque decenni di attività artistica. Il percorso espositivo racconta la formazione dell’autore, i suoi viaggi in Italia e a Parigi, l’affermazione a Berlino, l’ispirazione tratta dalle sponde del Mar Baltico e dai Mari del Sud, fino alle persecuzioni naziste (che bollatano la sua opera come “arte degenerata”) e al riscatto nel secondo dopoguerra. Al centro della sua poetica emerge la costante ricerca di armonia tra essere umano e natura incontaminata, un tema di forte attualità e nostalgia di felicità.

9) La Venere di Tiziano e il Rinascimento musicale. Musica per gli Occhi dal Museo del Prado alla Città di Verona
Sede: Museo di Castelvecchio, Verona
Date: 31 ottobre 2026 – 31 gennaio 2027
Evento centrale per il centenario del Museo di Castelvecchio, costruito attorno al prestito eccezionale dal Museo del Prado della celebre Venere con cane e suonatore d’organo di Tiziano Vecellio. Il percorso espositivo analizza il legame profondo tra pittura, musica e filosofia dell’armonia nel Cinquecento veneziano e veronese attraverso una trentina di opere, affiancando al capolavoro tizianesco dipinti di Jacopo Tintoretto, Marietta Robusti, Girolamo dai Libri e Battista Zelotti. L’itinerario interdisciplinare include strumenti musicali storici, codici miniati e spartiti d’epoca provenienti dall’Accademia Filarmonica di Verona, ed è arricchito da sonorizzazioni ed esecuzioni dal vivo di musica antica curati dal Conservatorio “E. F. Dall’Abaco”.

10) Man Ray. Il maestro del Surrealismo
Sede: Palazzo Roverella, Rovigo
Date: 13 novembre 2026 – 31 gennaio 2027
Grande monografica dedicata all’universo anticonvenzionale di Man Ray, prodotta da Fondazione Cariparo in collaborazione con il Man Ray Trust di New York, la Photothèque Man Ray di Parigi e il Musée Nicéphore Niépce. Attraverso circa 300 opere — tra cui preziose stampe vintage d’epoca, dipinti, disegni, oggetti iconici ready-made e la proiezione dei suoi quattro cortometraggi d’avanguardia — la rassegna celebra le rivoluzionarie invenzioni visive del maestro surrealista: dalle celebri rayografie realizzate senza obiettivo alle solarizzazioni (sviluppate con Lee Miller), dai ritratti degli intellettuali del Novecento alle celebri esplorazioni del nudo femminile e della moda.

11) Italia Germania. Pittura e scultura tra Ottocento e Novecento. Da Canova a Kiefer
Sede: Basilica Palladiana, Vicenza
Date: 13 novembre 2026 – 2 maggio 2027
Primo capitolo del triennio espositivo Ispirazione Europa, promosso dal Comune di Vicenza e Marsilio Arte con la collaborazione del Mart e il patrocinio dell’Ambasciata tedesca. Sotto le campate monumentali della Basilica Palladiana, la mostra ricostruisce due secoli di scambi visivi e culturali tra Italia e Germania: dai maestri del Neoclassicismo e del Romanticismo (Canova, Thorvaldsen, Overbeck e i Nazareni) al dialogo tra i Futuristi e gli Espressionisti delle avanguardie (Der Sturm), fino al confronto tra Realismo Magico e Neue Sachlichkeit, le sperimentazioni del Bauhaus e dell’astrazione (Il Milione), le consonanze tra Gruppo ZERO e Azimuth, l’Arte Povera, la Transavanguardia e la pittura di maestri della memoria come Joseph Beuys, Anselm Kiefer, Gerhard Richter e Georg Baselitz.

12) Fucina degli Angeli. Peggy Guggenheim e il vetro artistico del Novecento
Sede: Collezione Peggy Guggenheim, Venezia
Date: 14 novembre 2026 – 29 marzo 2027
Un’importante ricerca storica che ripercorre l’avventura creativa della Fucina degli Angeli, fondata a Venezia da Egidio Costantini nel 1955 per promover l’incontro tra maestri vetrai muranesi e i più grandi artisti del Novecento. Sostenuta dall’azione mecenatistica di Peggy Guggenheim, l’esperienza permise di affrancare il vetro dalle arti decorative per elevarlo a scultura contemporanea. Il percorso raccoglie oltre 100 opere provenienti da collezioni e musei internazionali (come il MOMA di New York e il Museum of Fine Arts di Boston) accostando sculture in vetro a disegni e dipinti di maestri come Braque, Picasso, Ernst, Arp, Cocteau, Kokoschka, Fontana, Tanning, Tobey, Arman e vari esponenti delle avanguardie giapponesi.

13) Babel
Sede: Fondazione Coppola, Vicenza
Date: In allestimento (apertura prossima)
Nuovo progetto espositivo in fase di allestimento all’interno dello storico Torrione di Vicenza. La Fondazione Coppola sta curando i dettagli del cantiere e della produzione per una mostra d’avanguardia incentrata sui linguaggi contemporanei, con la data ufficiale di riapertura che verrà annunciata a breve.

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Un dialogo aperto tra memoria, bellezza e formazione. Domenica 4 ottobre, in occasione della festa di San Francesco e a partire dalle ore 10:00, il Liceo delle Scienze Umane e Liceo Economico Sociale “Amedeo di Savoia Duca d’Aosta” di Padova accoglie una nuova e fondamentale tappa del suo percorso artistico.

Durante l’ormai celebre “GiroDUdA” – la visita guidata tra gli spazi del liceo trasformato in galleria d’arte contemporanea – verrà inaugurata l’installazione permanente di una selezione di litografie di Francesco Lucianetti (Roma, 1944 – Padova, 2020).

Le opere, estratte dalla celebre serie “A vele spiegate… alla ricerca di noi stessi” (1986-1994), vengono ufficialmente affidate ed entrano a far parte della collezione del DUdA grazie al prezioso contributo di FLarte e della famiglia dell’artista.

Il Progetto DUdA: un’idea rivoluzionaria per la scuola pubblica

Nato nel 2015 da un’intuizione del coordinatore Alberto Danieli, il DUdA (DUca d’Arte) ha trasformato il Complesso Conventuale di San Francesco – sede del Liceo da quasi 150 anni – in una vera e propria galleria d’arte contemporanea diffusa.

L’obiettivo del progetto non è mai stato meramente decorativo, ma profondamente educativo: portare l’arte a contatto diretto con gli studenti, rendere gli ambienti di apprendimento accoglienti, belli e significativi, ed educare al rispetto della cultura e dell’ambiente.

Oggi il DUdA è riconosciuto come un’eccellenza sul territorio ed è felicemente censito tra i Luoghi del Cuore del FAI.

La sua collezione vanta oltre 50 porte d’autore e una vasta raccolta di opere donate da maestri di fama nazionale e internazionale: da Tono Zancanaro a Tobia Ravà, da Alessio-B a Joys, fino a Renzo Forese, Carla Rigato e tantissimi altri interpreti del panorama artistico contemporaneo.

Le opere: “A vele spiegate… alla ricerca di noi stessi”

Tramonto-lunare

Tra le oltre 50 porte dipinte del Liceo, spicca da tempo l’intervento firmato da Francesco Lucianetti, una porta di aula. È proprio all’interno di questo spazio che trova dimora permanente una parte rappresentativa delle litografie realizzate dall’artista tra il 1986 e il 1994.

Un ciclo di lavoro durato ben otto anni dedicato a un tema essenziale: il mare, le vele, l’orizzonte aperto. Come suggerisce il titolo stesso, l’imbarcazione e la navigazione non sono semplici soggetti paesaggistici, ma potenti metafore dell’esistenza umana. La vela tesa verso l’orizzonte rappresenta la ricerca d’identità, la spinta al viaggio interiore e la curiosità di scoprire se stessi – un messaggio che risuona in modo speciale all’interno di un istituto scolastico, dove le giovani generazioni costruiscono giorno dopo giorno la propria rotta verso il futuro.

Il valore della donazione e l’impegno di FLarte

Da sempre FLarte sostiene i giovani artisti e promuove il talento emergente attraverso concorsi, mostre ed iniziative dedicate alle nuove generazioni. In quest’ottica, quale luogo migliore di una scuola per custodire e far vivere l’arte?

La scelta di affidare questa selezione di litografie al DUdA rappresenta un gesto di straordinaria coerenza e visione culturale. Non si tratta solo di preservare la memoria di Francesco Lucianetti, ma di collocarla in un ambiente vivo, facendola diventare parte integrante del percorso educativo di centinaia di studenti. Sottratte alla staticità dei depositi e delle collezioni private, le opere tornano così a parlare direttamente ai ragazzi, stimolando in loro sensibilità, curiosità e passione per il bello.

L’evento di inaugurazione, introdotto da Gianfranco Trabuio, vedrà la partecipazione della Dirigente Scolastica Anna Siragusa, del coordinatore del progetto Alberto Danieli, degli studenti, del personale della scuola, della stampa e della cittadinanza.

Sostenere iniziative come questa dimostra che la promozione dell’arte e il supporto ai giovani non viaggiano su binari separati, ma si alimentano a vicenda proprio nei luoghi in cui il futuro prende forma.

Dettagli dell’evento

Data: Domenica 4 ottobre

Ora: 10:00

Luogo: Liceo Scienze Umane e Economico Sociale “Amedeo di Savoia Duca d’Aosta”, Via del Santo 57, Padova

Programma: “GiroDUdA” e inaugurazione dell’installazione di Francesco Lucianetti.

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Quando ci si avvicina all’arte del Primo Novecento, bisogna abbandonare le comode certezze della pittura d’accademia e prepararsi a un vero e proprio urto sensoriale. Non stiamo parlando di una semplice pennellata ben messa o di una composizione equilibrata da salotto, ma di una necessità interiore, di un’esplosione cromatica che travolge chi osserva e ne scuote le percezioni.

È proprio questo il punto di partenza fondamentale per comprendere Max Pechstein (1881–1955), una delle figure più affascinanti, poliedriche e per certi versi decisive dell’intero movimento espressionista tedesco. Un’ampia e straordinaria esposizione offre l’opportunità rara di confrontarsi da vicino con l’ampiezza della sua visione artistica: un percorso espositivo imponente che raccoglie oltre 120 opere tra dipinti vivaci, disegni, acquerelli, fotografie, schizzi e preziosi oggetti personali, capaci di raccontarne la vita e il viscerale processo creativo.

Chi era Max Pechstein: Dalle avanguardie al pubblico

Nato a Zwickau nel 1881, Pechstein si distingue fin dai suoi esordi nel panorama artistico europeo per una capacità del tutto particolare: tradurre le tensioni e le provocazioni delle avanguardie in un linguaggio visivo potente, vivo e accessibile, privo di certi intellettualismi sterili.

Nel 1906 avviene l’incontro destinato a cambiare la storia dell’arte moderna: Pechstein entra a far parte del celebre gruppo Die Brücke (“Il Ponte”), fondato a Dresda da giovani visionari come Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel e Karl Schmidt-Rottluff. Mentre i suoi compagni cercavano la rottura con la tradizione attraverso una rabbia visiva talvolta distruttiva, Pechstein portava in dote una padronanza tecnica eccezionale e un’energia decorativa irrefrenabile. Fu proprio grazie al suo carisma e alla sua innata capacità comunicativa che il gruppo riuscì ad uscire dall’isolamento e a conquistare la scena artistica di Berlino.

La sua ricerca non si è mai accontentata dei confini della Germania. Spinto dal sogno di un’armonia perduta tra uomo e natura e affascinato dai miti del primitivismo – sulla scia di Gauguin -, nel 1914 l’artista intraprese un celebre viaggio verso le isole Palau, nel Pacifico. Questa parentesi di luce, estate e colore puro rimase impressa per sempre nelle sue opere, anche quando lo scoppio della Prima Guerra Mondiale lo costrinse a rientrare precipitosamente in Europa.

Il linguaggio visivo: Tra solidità formale e colore lirico

Come sottolineato a più riprese dalla critica d’arte, ciò che rende unico il codice espressivo di Pechstein all’interno dell’Espressionismo è un delicato e sofisticato equilibrio. Se da un lato l’artista assorbe la lezione dei Fauves francesi, lasciando esplodere la tavolozza in toni gioiosi, luminosi e raramente cupi, dall’altro non abbandona mai la struttura.

A differenza di altri maestri del suo tempo che dissolvevano le immagini nell’impeto cromatico, in Pechstein la forma e la linea mantengono una centralità classica e monumentale. C’è nelle sue opere un lirismo evocativo e un costante rispetto per la natura, intesa come uno spazio di riconciliazione e gioia di vivere.

Questa dualità si riflette nella duplice anima della sua produzione: nei dipinti vivaci, il colore smette di descrivere la realtà per farsi emozione e luce primaria; nelle potenti opere grafiche – xilografie, incisioni e disegni a china -, il tratto nero si fa architettura severa, capace di scolpire il foglio con contorni netti e una forza visiva senza paragoni.

Palazzo Zabarella e la Fondazione Bano

Ospitare una retrospettiva di tale portata richiede una cornice d’eccezione. La mostra trova dimora a Padova tra le mura di Palazzo Zabarella, una dimora storica le cui radici affondano nell’epoca romana e medioevale. Già residenza della potente famiglia Carraresi prima di passare agli Zabarella nel XIV secolo, il palazzo conserva ancora la sua caratteristica torre trecentesca e i preziosi affreschi ottocenteschi realizzati da maestri come Francesco Hayez e Giuseppe Borsato.

Oggi Palazzo Zabarella è un centro culturale di rilievo internazionale grazie al lavoro della Fondazione Bano, ente privato nato con l’obiettivo di tutelare, valorizzare e promuovere la grande arte dell’Ottocento e del Novecento. Attraverso un rigoroso lavoro scientifico e collaborazioni con i più prestigiosi musei del mondo, la Fondazione Bano ha trasformato il palazzo padovano in un punto di riferimento per le grandi mostre monografiche e tematiche.

Informazioni utili per la visita

Sede: Palazzo Zabarella – Fondazione Bano, Via degli Zabarella 14, Padova

Periodo della mostra: Dal 24 ottobre 2026 al 14 marzo 2027

Tutte le info: www.zabarella.it

Info biglietti: www.ticketlandia.com/m/palazzozabarella

Un appuntamento imperdibile per la scena culturale, condiviso e sostenuto dallo spirito dell’Associazione FLarte, da sempre impegnata nella promozione dell’arte e della memoria di Francesco Lucianetti.

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Dal 5 settembre al 4 ottobre 2026, gli spazi della Galleria Civica Cavour di Padova ospitano “Sul futuro del corpo”, la grande mostra collettiva curata da Barbara Codogno e organizzata insieme a Monica Andreosi e Bruna Laura Filippini.

Il progetto espositivo nasce dalla collaborazione tra il Comune di Padova – Assessorato alla Cultura e la partecipazione diretta della Fondazione Alberto Peruzzo e della Fondazione Coppola.

L’esposizione, definita dalla critica come una vera e propria «trincea visiva», si prefigura come un appuntamento di rilievo internazionale ed è ad ingresso libero!

La mostra: interrogare il corpo nell’era della smaterializzazione

In un tempo in cui il corpo è continuamente esposto, misurato, corretto, colonizzato e omologato, “Sul futuro del corpo” torna a interrogarlo nella sua dimensione più concreta e insieme più enigmatica: come luogo dell’identità e della memoria. Ogni giorno affidiamo l’immagine del nostro corpo ad algoritmi e dispositivi che lo registrano, lo interpretano, lo archiviano e lo rendono infinitamente riproducibile. Mai come oggi il corpo è stato così visibile e, paradossalmente, così distante dall’esperienza vissuta. La rappresentazione tende a sostituire la presenza, mentre l’immagine rischia di prevalere sull’esperienza.

È proprio dentro questa frattura che nasce il progetto curato da Barbara Codogno: una riflessione sul destino dell’umano nell’epoca della sua progressiva smaterializzazione. Lontana dalle retoriche della tecnologia e dalle narrazioni post-umane, la mostra assume il corpo come archivio vivente, spazio simbolico e politico, luogo in cui continuano a inscriversi memoria, desiderio, trasformazione e rapporti di potere. Attraverso la pittura e la scultura, i diciassette autori coinvolti mostrano come la figura sia tornata al centro della ricerca artistica non come semplice soggetto iconografico, ma come luogo critico attraverso cui leggere le trasformazioni culturali e sociali del presente.

Il corpo reale contro l’algoritmo: resistere all’«io-massa»

Nelle parole della curatrice, l’esposizione si radica in un’analisi socio-filosofica quanto mai urgente. Viviamo un momento storico in cui l’Intelligenza Artificiale e la tecnologia digitale promettono un’illusoria smaterializzazione e un’omologazione dei tratti.

Come scrive Barbara Codogno nel testo critico:

«L’io-massa non contempla diversità di corpi: ne ha solo uno. Non distinguiamo più nemmeno noi stessi dalla nostra immagine surrettizia, affidando il nostro volto a filtri magici che sconfiggono la nostra imperfetta unicità incollandoci sopra stereotipi estetici… Esiste ancora l’essere umano? Esiste il suo corpo, al di là dell’immagine?»

Il percorso teorico della mostra richiama capisaldi del pensiero contemporaneo (da Debord e Baudrillard fino alle analisi di Tiqqun) e dialoga idealmente con l’enciclica “Magnifica Humanitas” di Papa Leone XIV sulla custodia della persona umana nel tempo dell’IA. Di fronte al rischio di smarrire il contatto con il sacro e con la natura, la pittura e la scultura si affermano come veri strumenti di resistenza: la materia, il gesto, la lentezza dell’esecuzione e persino l’errore restituiscono all’umano la sua fragilità e impermanenza.

Un percorso espositivo tra geopolitica, materia, natura e mito

Le 55 opere in mostra dialogano attorno a quattro grandi direttrici concettuali

Potere e geopolitica: la pittura di Julio Larraz riflette su esilio e tensioni internazionali, mentre Markus Schinwald mostra le protesi e i dispositivi che disciplinano l’identità. Fabbio Copercini trasforma il corpo di Pasolini in meditazione sacra sul sacrificio, laddove Angelo Giordano rivendica il limite umano contro l’illusione dell’Homo Deus.

Materia e dissoluzione: Nicola Samorì scava la superficie pittorica con colature di gusto secentesco, affiancato dalle figure sospese di Radu Belcin e Flavia Pitiș. Alfio Giurato lavora sui doppi e sui riflessi, mentre Greta Bisandola osserva la carne come archivio genetico.

Anatomia e natura: Nunzio Paci attinge ai trattati scientifici fondendo anatomia e flora. Angelo Brugnera, Enrica Berselli e Chiara Calore danno vita a organismi porosi che riallacciano l’umano al suo ecosistema vivente.

Mito e trascendenza: Stefano Reolon reinterpreta il mito di Mercurio tra materia e spirito, Maurizio L’Altrella sovrappone registro umano e animale, Chandra Fanti dipinge figure incandescenti tra eros e sacro, mentre Luca Bidoli rilegge l’iconografia religiosa occidentale.

Gli artisti in mostra

Radu Belcin, Enrica Berselli, Luca Bidoli, Greta Bisandola, Angelo Brugnera, Chiara Calore, Fabbio Copercini, Chandra Fanti, Angelo Giordano, Alfio Giurato, Maurizio L’Altrella, Julio Larraz, Nunzio Paci, Flavia Pitiș, Stefano Reolon, Nicola Samorì, Markus Schinwald.

La curatrice: Barbara Codogno, la voce critica e l’amica di FLarte

Nata a Padova e laureata in Filosofia Estetica, Barbara Codogno è una figura di spicco nel panorama culturale: critica d’arte, curatrice, giornalista e autrice di romanzi e raccolte poetiche. La sua ricerca si distingue per una profonda sensibilità verso i grandi temi della contemporaneità, intrecciando filosofia, arte visiva e responsabilità sociale.

Presenza cara ed insostituibile per la famiglia di FLarte, Barbara ne è una preziosa amica e compagna di viaggio. Con generosità, passione e il suo inconfondibile acume critico, cura per FLarte le esposizioni dedicate ai grandi maestri del Novecento presenti durante le nostre mostre, costruendo percorsi espositivi capaci di mettere in dialogo le radici della grande storia dell’arte e le ricerche dei giovani artisti che si confrontano nei concorsi legati ai nostri eventi.

Come visitare la mostra

La mostra “Sul futuro del corpo” si terrà presso la Galleria Civica Cavour di Padova dal 5 settembre al 4 ottobre 2026, con vernissage aperto al pubblico venerdì 4 settembre alle ore 18:00. L’ingresso per l’intera durata dell’evento è gratuito.

L’esposizione si potrà visitare
– il giovedì pomeriggio dalle 15:30 alle 19:30,
– mentre dal venerdì alla domenica la galleria osserverà un doppio orario di apertura, la mattina dalle 10:00 alle 13:00 e il pomeriggio dalle 15:30 alle 19:30.

Per rimanere aggiornati è possibile consultare i canali ufficiali su Instagram e Facebook.

L'articolo Sul futuro del corpo: la mostra curata da Barbara Codogno proviene da FLarte.

Il progetto “Sculture da toccare” al Museo Polaris MUTAT: FLarte crea nuove opportunità per i giovani artisti con la curatela di Barbara Codogno

Il Museo tattile MUTAT di San Vito al Tagliamento ha ufficialmente avviato il progetto “Sculture da toccare: percorso culturale e tecnico con artisti emergenti per incrementare la collezione di opere scultoree originali”, risultato vincitore del bando di PromoTurismoFVG dedicato alla promozione del turismo inclusivo nell’ambito del programma regionale “Friuli Venezia Giulia una regione per tutti”. Questo percorso culturale e sociale vede al centro la collaborazione con Barbara Codogno, critica d’arte, curatrice, giornalista e scrittrice che accompagna stabilmente FLarte nella ricerca e nella promozione dei nuovi linguaggi dell’arte contemporanea.

La direzione artistica e l’intero impianto curatoriale son affidati a Barbara Codogno che, in sinergia con la direzione del Museo ed esperti del settore, ha strutturato un’iniziativa con una forte finalità sociale. L’obiettivo specifico è abbattere le barriere della fruizione tradizionale, creando un percorso artistico dedicato all’inclusione delle persone con disabilità visiva attraverso opere pensate per essere esplorate liberamente tramite il tatto e l’esperienza multisensoriale. L’intervento punta a garantire alle persone non vedenti e ipovedenti la possibilità di interagire in modo diretto, autonomo e profondo con i lavori esposti, scoprendo forme e volumi attraverso l’esplorazione fisica delle superfici.

Il contesto: la storia del MUTAT e l’impegno di Polaris

Per comprendere la rilevanza di questa operazione è necessario guardare alla storia del MUTAT. Inaugurato all’interno della seicentesca cornice di Palazzo Altan, nel cuore storico di San Vito al Tagliamento, il MUTAT è il primo museo tattile per tutti del Friuli Venezia Giulia. La sua nascita e la sua gestione si devono all’Associazione Polaris Amici del Libro Parlato OdV, una realtà che opera sul territorio per garantire l’accessibilità alla cultura e alla lettura. Con l’apertura del museo, Polaris ha scardinato il tradizionale concetto del “vietato toccare” per fare del corpo e del tatto i veri canali di conoscenza dell’arte.

Il percorso espositivo del MUTAT si articola storicamente in tre sezioni di visita in cui le opere vanno esplorate rigorosamente con le mani. La prima sezione comprende una raccolta di riproduzioni in bassorilievo di celebri opere pittoriche della storia dell’arte; la seconda è dedicata alla cartografia e ai modelli architettonici tridimensionali, mentre la terza ospita sculture e opere plastiche originali, nate per l’esplorazione tattile. È proprio in questa terza sezione, dedicata alla tridimensionalità contemporanea, che si inserisce l’intervento di FLarte.

I giovani artisti di FLarte e il dialogo con il maestro

In questo contesto di eccellenza, i nostri Matilde Bellusci e Riccardo Barichella di Padova porteranno la loro ricerca monumentale all’interno della collezione permanente del Museo. Dopo essersi distinti nel nostro concorso d’arte “Le forme dell’amore” – che ha visto Riccardo vincitore del primo premio con l’opera “Sicurezza di amare” e Matilde partecipare con “Ciatu miu (Fiato mio)” – i due giovani artisti realizzeranno opere originali utilizzando materiali contemporanei, lavorando meticolosamente sulla resa superficiale per renderla pienamente leggibile a livello tattile anche da chi non può contare sulla vista.

Il percorso si completerà attraverso il confronto con la consolidata esperienza di Giovanni Pinosio di Mestre, che si unisce alla terna dei profili selezionati. Pinosio, ampiamente noto per le sue creazioni in fil di ferro, porterà all’interno del MUTAT la sua personale riflessione sul vuoto e sulle intersezioni lineari. Le sue figure eteree, capaci di unire la solidità del racconto alla massima leggerezza del mezzo metallico utilizzato, permetteranno di esplorare il rapporto tra volume e leggerezza, offrendo una diversa chiave di lettura spaziale e lineare che dialogherà in modo ravvicinato con la matericità delle opere dei due giovani artisti sostenuti dalla nostra associazione.

FLarte come ponte verso le istituzioni

Il coinvolgimento diretto dei nostri ragazzi dimostra in modo tangibile come le iniziative promosse da FLarte, a partire dal concorso “Le forme dell’amore“, costituiscano un vero e proprio punto di partenza e mai di arrivo. La nostra associazione si propone intenzionalmente come un ponte operativo e culturale capace di generare opportunità concrete sul campo, attivando sinergie con enti regionali e istituzioni museali per offrire ai giovani artisti emergenti reali possibilità di crescita, visibilità e inserimento professionale all’interno di progetti pubblici e di forte rilevanza sociale.

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L’arte racconta l’amore in tutte le sue sfumature, unendo generazioni diverse in un unico grande viaggio visivo. Dopo il grande successo di pubblico riscontrato durante la prima tappa espositiva a Villa Breda, il percorso itinerante del progetto culturale si sposta ufficialmente nel cuore della Saccisica. Dal 6 al 28 giugno 2026, la mostra collettiva “Le forme dell’amore – L’arte racconta” sarà ospitata presso le sale del Centro Piovese d’Arte e Cultura di Piove di Sacco, in provincia di Padova.

Questo importante progetto culturale è promosso con orgoglio dall’Assessorato alla Cultura di Piove di Sacco e curato nei dettagli da FLarte insieme al Gruppo Artisti della Saccisica. L’iniziativa nasce con il preciso intento di creare un ponte culturale sul territorio, offrendo uno spazio di espressione e di condivisione dove la memoria storica del passato e la visione del futuro si incontrano per dare forma al sentimento più universale che esista.

L’esposizione si distingue per la sua struttura ricca e stratificata, capace di far convivere l’energia della giovinezza con l’esperienza della maturità artistica. Il percorso espositivo unisce infatti la freschezza e la ricerca di 32 giovani artisti veneti under 30, selezionati tramite l’omonimo concorso, alle opere storiche e di grande valore di importanti maestri del ‘900 e della contemporaneità regionale. Attraverso pittura, scultura, grafica e sperimentazioni visive, i giovani talenti offrono uno sguardo intimo, attuale e talvolta inedito sulle dinamiche del sentimento amoroso, dialogando attivamente con le poetiche storiche che hanno segnato il Novecento veneto.

All’interno di questo percorso, un omaggio speciale va in ricordo al Maestro Francesco Lucianetti. A lui, alla sua profonda sensibilità e al suo legame con la ricerca estetica del territorio, è dedicata una selezione esclusiva di oltre 30 opere. I visitatori avranno l’opportunità di ammirare da vicino una produzione eterogenea che comprende litografie, incisioni, acquerelli e bronzi, testimonianza di una vita interamente dedicata alla riflessione sull’amore come forza espressiva e vitale.

L’inaugurazione ufficiale

Il momento inaugurale per celebrare l’apertura della mostra si terrà sabato 6 giugno 2026 alle ore 17:30, presso la sede istituzionale del Centro Piovese d’Arte e Cultura, situata in via Garibaldi 40.

Paola Ranzato, Assessore alla Cultura della Città di Piove di Sacco;

Luigi Toson, in rappresentanza del Gruppo Artisti della Saccisica;

Paola Salmaso, Presidente di FLarte.

Informazioni utili per la visita

L’esposizione è a ingresso completamente gratuito per tutta la cittadinanza, gli appassionati e i visitatori che desiderano immergersi in questo viaggio visivo durante il mese di giugno.

Mostra: Le forme dell’amore – L’arte racconta

Sede: Centro Piovese d’Arte e Cultura – Via Garibaldi 40, Piove di Sacco (PD)

Periodo: Dal 6 al 28 giugno 2026

Ingresso: Libero

Orari di apertura al pubblico:

Mercoledì: dalle ore 10:00 alle ore 12:00

Venerdì: dalle ore 16:00 alle ore 19:00

Sabato e Domenica: dalle ore 10:00 alle ore 12:00 e dalle ore 16:00 alle ore 19:00

Vi aspettiamo numerosi a Piove di Sacco per vivere un’esperienza culturale intensa e lasciarvi catturare dai molteplici racconti delle forme dell’amore.

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Fondazione Alberto Peruzzo – Foto Chiara Rigato

Via Dante Alighieri, storicamente nota come “Strà Maggiore”, rappresenta da secoli il cuore pulsante di Padova, collegando l’antico quartiere del Carmine al centro cittadino. Questa arteria, che deve il suo nome attuale alla tradizione che vede Dante Alighieri ospite in città all’inizio del XIV secolo, ricalca l’antico Cardo Maximus di epoca romana, come testimoniano i resti archeologici visibili nei pressi del vicino Monte di Pietà. Oggi, la via sta vivendo una rinascita culturale senza precedenti, trasformandosi in un vero e proprio Art District d’eccellenza.

La rinascita di Sant’Agnese: la Fondazione Peruzzo

La Fondazione Alberto Peruzzo agisce come il catalizzatore definitivo di questa metamorfosi urbana, avendo recuperato l’ex chiesa di Sant’Agnese (edificio del 1202) con un restauro filologico monumentale conclusosi nel 2023. Perciò la Fondazione non è un semplice spazio espositivo, ma un centro di ricerca e produzione culturale che interroga la sacralità dello spazio attraverso l’arte. Negli ultimi anni, la sede ha ospitato progetti di caratura museale come la mostra inaugurale “Vedere l’Invisibile”, che ha portato a Padova i capolavori assoluti di Lucio Fontana e gli Achromes di Piero Manzoni, mettendo in crisi e in dialogo il concetto di spazio e materia con le mura medievali.

Recentemente, con la mostra “Qui e Ora”, la Fondazione ha esplorato la dimensione del presente e della percezione, consolidando un percorso che ha visto passare tra queste navate opere di giganti come Jannis Kounellis, con la sua forza poverista, e Michelangelo Pistoletto. Inoltre l’istituzione opera su più livelli: dall’Ipogeo con i suoi affreschi trecenteschi di scuola giottesca e i resti della strada romana, fino alla Navata dedicata alle grandi installazioni site-specific, confermandosi come un polo capace di attrarre collezionismo internazionale e critica d’arte d’alto profilo.

Alberto Bortoluzzi e FLarte

In questo contesto di dialogo tra passato e futuro, spicca la figura di Alberto Bortoluzzi. Erede di una delle dinastie di pittori più importanti del Veneto, Alberto è un “figlio d’arte” nel senso più alto del termine: pronipote di Millo Bortoluzzi Senior — maestro del paesaggio e protagonista di numerose Biennali di Venezia tra fine ‘800 e inizio ‘900 — e nipote di Millo Bortoluzzi Junior.

Il legame con la tradizione paesaggistica veneta è emerso chiaramente nella nostra mostra “Acquee Venete“, dove l’opera di Alberto, “Azzurro in laguna”, è stata esposta accanto a “Laguna a Grado” del padre Millo. Alberto prosegue questa ricerca visiva interpretando la natura non come semplice descrizione, ma come “archeologia emotiva”, dove il paesaggio diventa uno spazio della memoria e dell’astrazione. Durante l’evento del 23 maggio, il suo studio sarà uno dei luoghi chiave per comprendere questo passaggio di testimone artistico.

I Protagonisti del Collettivo Via Dante Art District

Oltre alla Fondazione Alberto Peruzzo e ad Alberto Bortoluzzi, il Via Dante Art District prende vita grazie ad altre realtà che hanno saputo fare rete creando un ecosistema creativo unico. Ecco le voci che compongono questa sinfonia urbana:

– Black Light Gallery: Situata ai civici 87 e 89, questa galleria è molto più di uno spazio espositivo; è un laboratorio d’immagine che si concentra sulla fotografia d’autore e sulla ricerca visiva. Si distingue per la capacità di mescolare grandi maestri internazionali con talenti emergenti, organizzando eventi interdisciplinari che spaziano dalle presentazioni editoriali alle performance dal vivo. Durante l’Open Art Event, diventerà il centro della sperimentazione scultorea e fotografica.

– Dante 61 Bookshop: Spazio intrinsecamente legato alla Fondazione Alberto Peruzzo, funge da suo bookshop ufficiale e punto di riferimento editoriale. Specializzato in editoria d’arte, cataloghi ricercati e graphic novel, il Dante 61 esplora i confini tra libro e opera d’arte. Per questa occasione, sarà arricchito da una selezione di vinili rari che sottolinea l’approccio interdisciplinare del collettivo, unendo narrazione visiva e ascolto musicale.

– Ettore Greco (Scultore): Docente all’Accademia di Belle Arti di Venezia, è una delle figure più autorevoli della scultura figurativa contemporanea. Il suo lavoro si interroga sulla condizione umana attraverso la manipolazione di bronzo, gesso e terracotta, ispirandosi ai maestri del passato come Rodin. Le sue figure, spesso tormentate e cariche di una tensione psicologica vibrante, rappresentano una ricerca incessante sulla plasticità del corpo e sulla sua capacità di esprimere l’anima.

– Mec Scultore: Con il suo studio al civico 95, Mec fonde la solidità della tradizione con un design essenziale. Le sue opere sono caratterizzate da una forte presenza scenica, dove la manipolazione delle forme invita lo spettatore a un contatto quasi tattile. La sua presenza contribuisce a rendere Via Dante un punto di riferimento per chiunque voglia approfondire le declinazioni più attuali della scultura monumentale e d’arredo.

– Finally Friday Studio: Al civico 82-84, questo studio rappresenta l’anima flessibile e sperimentale del distretto. È un luogo aperto alla condivisione dove si intrecciano design, grafica e ceramica d’autore. Organizza regolarmente workshop che permettono al pubblico di “sporcarsi le mani”, favorendo un approccio democratico all’arte che invita alla creazione diretta e collettiva.

– Oficinad’arte di Fernando Betto: Il maestro orafo Fernando Betto porta l’arte nel quotidiano attraverso la creazione di “sculture da indossare”. Al numero 56, la gioielleria abbandona il concetto tradizionale di ornamento per diventare espressione artistica pura. Ogni pezzo è forgiato con una padronanza delle leghe e dei metalli preziosi che riflette una ricerca costante sulla forma e sul simbolo.

– Studio Stefano Sandonnini: Fotografo e artista visivo, Sandonnini esplora le potenzialità dell’immagine attraverso tecniche miste con influenze Pop Art. Il suo stile si distingue per la pulizia formale e la capacità di trasformare dettagli della realtà in icone visive. Nel suo studio, la fotografia dialoga con l’intervento pittorico e digitale, creando sintesi perfette del dinamismo visivo che anima il distretto.

Metamorfosi: l’Open Art Event del 23 Maggio 2026

Via Dante Art District celebrerà la propria identità sabato 23 maggio con il programma “Metamorfosi”. Gli studi e le gallerie apriranno eccezionalmente le loro porte dalle 9.30 alle 22.00, offrendo ai visitatori l’opportunità unica di dialogare direttamente con gli artisti. Via Dante Alighieri si confermerà, per un’intera giornata, come il centro geografico ed emotivo della cultura padovana.

Il programma della giornata:

10.00 – Sessione di ART-Yoga con Anna del Biondi: Lezione gratuita su prenotazione presso Black Light Gallery.

11.30 – La Voce del Pianoforte: Performance musicale dal vivo dell’Istituto Malipiero lungo la via.

12.15 – Francesco Brigida con Diego dalla Palma: Presentazione esposizione fotografica presso Black Light Gallery.

16.00 – TOYS di Anna Piratti: Performance artistica contemporanea alla Torre di Palazzo Dotto da Rio.

17.00 – L’Arco e le sue Corde: Performance musicale dal vivo nel cortile interno di Via Dante 97.

18.00 – Ettore Greco e Giulio Tesorati: Live performance di scultura contemporanea alla Black Light Gallery.

19.00 – Ascolti in vinile: DJ set presso Dante61 Bookshop.

20.00 – Il giradischi non si ferma: DJ set presso Osteria Leone Rosso.

Esposizioni e installazioni:

LOOP: Proiezioni di video arte presso la Fondazione Alberto Peruzzo, Via Dante 63.

Warhol on vinyl: Vinili disegnati da Andy Warhol presso Dante61 Bookshop.

Francesco Brigida: Esposizione fotografica alla Black Light Gallery.

Valter Adam Casotto: Installazione artistica in Via Dante 97.

Riflessi (Porsche Italia): Installazione nel cortile interno di Via Dante 97.

Hotel California di Elisa Gambalonga: Fotografia open air lungo Via Dante.

Surlalune di Debora Tollin: Porcellane d’autrice presso Atelier Maretti.

Metamorfosi di Finally Friday Studio: Installazione in gesso in Via Dante 84.

L’America non esiste di Massimo Sormonta: Fotografia all’Osteria Leone Rosso.

Noise Ensemble di Tania & Lazlo: Installazione alla Black Light Gallery.

Illustr-azioni: Illustrazioni digitali presso L’arte di Abitare.

Dipinti: Quadri d’autore presso Metal life.

Studi d’Artista (Aperti dalle 11.00 alle 18.00):

Alberto Bortoluzzi (Pittore): Via San Pietro 5.

Ettore Greco (Scultore): Via San Pietro 17.

Mec (Scultore): Via Dante Alighieri 95.

Oficinad’arte di Fernando Betto (Maestro orafo): Via Dante 56.

Studio Stefano Sandonnini (Artista visivo): Via San Pietro 3.

Questa iniziativa rappresenta perfettamente la visione di FLarte: unire il passato al presente per illuminare il futuro dell’arte, valorizzando le radici culturali del territorio attraverso il confronto intergenerazionale e l’apertura alla contemporaneità.

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L’ARTE CHE DIVENTA AUTENTICA SOLO QUANDO VIENE RUBATA

L’associazione FLarte sostiene con forza il progetto nato dalla collaborazione tra l’artista Sambuco (Bruno Sponchia) e Roberto Dominelli, direzione artistica della Galleria L2 Arte. Un’opera d’arte può diventare autentica solo nel momento in cui viene rubata: questa è la provocazione radicale alla base de “I Rubabili”. Un’azione artistica che riporta l’esperienza estetica nello spazio pubblico, trasformando la città nel luogo in cui l’opera prende realmente vita e si spoglia di ogni barriera istituzionale.

Nel segno della libertà: L’azione all’Università di Padova

Il progetto, nato dalla sinergia tra Sambuco e Roberto Dominelli, ha trovato a Padova la sua dimensione ideale. Il 7 aprile, un’opera è stata collocata all’interno della Biblioteca Liviano dell’Università di Padova, una scelta densa di significato simbolico. L’Ateneo patavino, guidato dal motto Universa Universis Patavina Libertas, è per eccellenza lo spazio della libertà universale. Collocare un “Rubabile” in un ambiente così quotidiano e democratico significa inserire l’opera in un contesto libero da ogni sovrastruttura, dove la bellezza può essere conquistata da chiunque, senza distinzioni di ceto o di cultura.

Un “Rubabile” trova il proprio compimento solo nell’istante dell’appropriazione. L’atto del “furto” diventa parte integrante del processo creativo e burocratico: chi trova l’opera può portarla con sé, ma l’autenticazione si completa solo attraverso un gesto simbolico e digitale. Documentare il ritrovamento e taggare l’artista sui social trasforma il web in un registro pubblico; solo allora l’opera viene ufficialmente riconosciuta e accompagnata dal relativo certificato di autenticità.

L’opera: Delitto d’orrore n. 3

All’interno di questo percorso di riappropriazione urbana, l’opera “Delitto d’orrore n. 3” si impone con una violenza estetica e concettuale rara. È lo stesso Sambuco a descrivere la genesi e il messaggio del lavoro:

«L’opera mette in scena un momento sospeso e profondamente ambiguo, in cui un gesto apparentemente affettivo rivela la propria natura brutale: una rosa offerta si accompagna, nella stessa mano, a un coltello nascosto. Le figure, ridotte a silhouette anonime, diventano archetipi di una dinamica relazionale in cui amore e aggressione coesistono e si confondono tragicamente. L’impianto visivo è costruito attraverso linee rosse che evocano al tempo stesso il sangue e uno schema analitico-investigativo, richiamando un’estetica forense che tenta di catalogare l’evento senza però riuscire a esaurirne il significato profondo. L’inserimento del cartello “PERICOLO DI MORTE” introduce un linguaggio esterno, razionale e normativo, che contrasta con l’ambiguità emotiva della I rubabili scena. L’opera riflette sulla sottile e spesso impercettibile transizione dall’intimità alla violenza, interrogando il momento esatto in cui un “ti amo” può trasformarsi, quasi senza soluzione di continuità, in una minaccia letale.»

FLarte: L’eredità di Francesco Lucianetti e il supporto al talento

Il sostegno di FLarte ai “Rubabili” non è un atto isolato, ma nasce dalla missione primaria dell’associazione: onorare la memoria di Francesco Lucianetti e sostenere la ricerca dei nuovi talenti del territorio. Francesco era un artista poliedrico e libero: architetto, grafico, autore di fumetti, scultore e creatore di vetrate e incisioni. Un uomo che ha fatto della multidisciplinarietà e dell’anticonformismo la sua bandiera, e che avrebbe amato profondamente la natura “illegale” e democratica di questo progetto.

Il legame tra FLarte e Sambuco è maturato nel tempo: vincitore del bando dedicato al Sommo Poeta nel 2022 con l’opera “Il Conte Ugolino”, Sambuco ha poi contribuito alla selezione di profili emergenti facendo parte della giuria de “Le Forme dell’Amore” nel 2025. Questo percorso di riconoscimento reciproco è il cuore della nostra attività.

La nostra missione: Un ponte tra generazioni

Il nostro intento principale rimane il supporto concreto ai giovani artisti, in particolare nella fascia compresa tra i 18 e i 30 anni. Questa visione prende vita attraverso rassegne tematiche di ampio respiro – come “Dante in Arte”, “Acque Venete” o “Le Forme dell’Amore” – dove istituiamo concorsi volti a premiare e sostenere tangibilmente il valore dei giovani vincitori.

La particolarità delle nostre mostre risiede nel dialogo costante: i talenti emergenti hanno l’opportunità unica di vedere le proprie opere esposte accanto a quelle dei maestri veneti del ‘900 e alla produzione storica di Francesco Lucianetti. Non vogliamo essere solo una vetrina, ma un punto di incontro vivo e un contatto duraturo tra gli artisti. Crediamo in uno spazio dove ci si possa ritrovare per discutere, chiacchierare e stimolarsi a vicenda a livello artistico; un luogo dove il confronto e il supporto reciproco permettano ai giovani di misurarsi con la storia dell’arte mentre costruiscono il proprio linguaggio contemporaneo. Sostenere Bruno Sponchia in questa azione a Padova significa, per noi, riaffermare che l’arte è una conquista che richiede tempo, coraggio e partecipazione.

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Questa Biennale rompe definitivamente con le narrazioni muscolari e monumentali del passato. L’invito di Kouoh è quello di riportare l’arte nella sua dimensione più intima, quasi riparatrice: è il canto di chi genera bellezza nonostante la tragedia, una melodia dei fuggitivi che riemerge dalle rovine per suturare ferite storiche e mondi in frammenti. Il programma collaterale riflette questa complessità: dalle vertigini fenomenologiche di Anish Kapoor alla carnalità monumentale di Jenny Saville, fino alla riscrittura dei canoni della ritrattistica operata da Amoako Boafo. Una guida dettagliata per decodificare uno dei momenti culturalmente più fertili del decennio.

Le Mostre da Vedere Ora

1. Paper Design: In collaborazione con l’Accademia delle Belle Arti di Venezia Ca’ Pesaro | Fino al 12 aprile La cellulosa si emancipa dalla bidimensionalità del supporto per farsi modulo architettonico e struttura portante. In questa sperimentazione condotta tra le università veneziane, la carta viene indagata come materiale plastico capace di generare architetture effimere e superfici spaziali. È un’indagine sulla vulnerabilità tattile e sulla forza del design organico: un invito a toccare con lo sguardo la fragilità della materia (ingresso gratuito). www.capesaro.visitmuve.it

2. Tintoretto racconta la Genesi: Ricerca, Analisi e Restauro Gallerie dell’Accademia | Fino al 7 giugno Il ritorno del “Furioso” avviene sotto il segno della precisione scientifica. Questa selezione di tele dedicate al ciclo della Genesi, recentemente restaurate, restituisce la ferocia narrativa e la gestione parossistica dello spazio tipica di Tintoretto. Paesaggi drammatici e un uso della luce che trascende la tecnica per farsi premonizione barocca, rivelando un autore ancora oggi capace di turbare la percezione contemporanea. www.gallerieaccademia.it

3. Luciana Cicogna: Opere 2012–2025 Fondazione Bevilacqua La Masa – Palazzetto Tito | Fino al 29 marzoUn’antologica rigorosa che mette a sistema l’ultimo decennio di ricerca di Luciana Cicogna. L’astrazione qui non è mai fuga dalla realtà, ma una costruzione architettonica di un linguaggio fatto di materia e colore. Le sue opere si pongono in un dialogo costante e mai scontato con la grande tradizione tonale veneziana, declinata attraverso una sensibilità geometrica contemporanea (ingresso gratuito). www.bevilacqualamasa.it

4. Horst P. Horst: La geometria della grazia Le Stanze della Fotografia – Isola di San Giorgio | Fino al 5 luglio Un compendio di eleganza assoluta e rigore formale. Horst P. Horst ha scolpito l’immaginario del Novecento attraverso un obiettivo che non documenta, ma idealizza. La mostra evidenzia come il corpo umano e l’abito diventino sotto la sua lente architetture viventi, celebrate da una luce utilizzata come strumento di precisione chirurgica per definire la perfezione formale. www.lestanzedellafotografia.it

5. Ahmet Ertuğ: Riflessi di architettura Le Stanze della Fotografia – Isola di San Giorgio | Fino al 4 aprile La fotografia monumentale di Ertuğ si distacca dal documentarismo per farsi esperienza immersiva. Dalle biblioteche storiche ai teatri classici, le sue immagini restituiscono il silenzio delle grandi architetture mondiali. La nitidezza estrema delle sue stampe trasforma il vuoto spaziale in una presenza tangibile, quasi metafisica, invitando lo spettatore a un’abitazione contemplativa dell’immagine. www.lestanzedellafotografia.it

6. Bizhan Bassiri: Principe Museo Correr | Fino al 1 novembre Il “pensiero magmatico” di Bassiri entra in collisione con la solennità neoclassica del Museo Correr. Forme primordiali, meteoriti bronzee e complessi simboli cosmici occupano le Sale Imperiali, creando un efficace corto circuito tra la materia oscura dell’artista iraniano e il rigore apollineo di Canova. Un percorso che interroga la natura dell’oggetto artistico tra permanenza ed effimero.www.correr.visitmuve.it

Le aperture di Marzo

7. Etruschi e Veneti. Acque, culti e santuari Palazzo Ducale | 6 marzo – 27 settembre Un’indagine archeologica di alto profilo scientifico allestita negli Appartamenti del Doge. La mostra sviscera il legame mistico e funzionale tra le civiltà preromane e l’elemento acquatico attraverso reperti inediti che raccontano sorgenti, lagune e rituali sommersi. È il racconto necessario della genesi di Venezia, prima della fondazione mitica della Serenissima.www.palazzoducale.visitmuve.it

8. Joseph Kosuth: The Exchange Value of Language Has Fallen to Zero Casa dei Tre Oci – Giudecca | 28 marzo – 22 novembre Il ritorno del padre dell’arte concettuale segna la riapertura della Casa dei Tre Oci sotto l’egida del Berggruen Institute. Kosuth propone un intervento semantico brutale e necessario: testi, neon e installazioni ambientali che interrogano la crisi del significato in un’epoca di iper-inflazione comunicativa. Un’analisi fredda e lucida sul valore di scambio della parola oggi. www.treoci.org

10. Lorna Simpson & Paulo Nazareth: Third Person + Algebra Punta della Dogana | 29 marzo – 23 novembre La Pinault Collection mette in dialogo due delle voci più radicali e necessarie della diaspora contemporanea. Attraverso fotografia, video e installazioni ambientali, i due artisti decostruiscono l’identità e la memoria coloniale. La precisione astratta dell’algebra viene qui sovrapposta alla complessità organica delle storie umane negate, in un percorso di forte impatto politico e sociale. www.pinaultcollection.com

11. Michael Armitage & Amar Kanwar: The Promise of Change + Co-travellers Palazzo Grassi | 29 marzo – 23 novembre Il binomio tra la pittura onirica di Armitage e il cinema poetico di Kanwar genera un percorso di autentica resistenza visiva. La mostra esplora il dialogo tra il racconto politico esplicito e la dimensione lirica dell’immagine, evidenziando come la promessa di cambiamento si scontri quotidianamente con la realtà dei territori e il peso delle memorie collettive. www.pinaultcollection.com

Aprile e Maggio

12. Dayanita Singh: Archivio Archivio di Stato di Venezia | 17 aprile – 31 luglio Un progetto site-specific dove la fotografia di Dayanita Singh si infiltra tra le scaffalature dei Frari. La memoria cartacea della Serenissima smette di essere reperto statico per farsi organismo vivo. Le sue strutture mobili creano una nuova esperienza visiva sospesa tra il rigore del documento e la libertà dell’astrazione fotografica, interrogando il senso stesso dell’archiviazione.www.archiviodistatovenezia.it

13. Patrick Saytour: La piega e il tempo Palazzo Vendramin Grimani | 18 aprile – 22 novembre L’esponente storico di Supports/Surfaces destruttura il concetto di quadro all’interno della Fondazione dell’Albero d’Oro. La pratica della “piega” diventa lo strumento analitico per interrogare il tempo e lo spazio. In un gioco di tessuti e superfici povere, Saytour dialoga con la ricchezza della storia mercantile veneziana, portando l’attenzione sulla fisicità dell’opera d’arte.www.fondazionealberodoro.org

14. Peggy Guggenheim a Londra Collezione Peggy Guggenheim | 25 aprile – 14 settembre Un’operazione di filologia pura essenziale per comprendere le origini del collezionismo moderno. La mostra ricostruisce i 18 mesi cruciali trascorsi da Peggy Guggenheim a Londra (1938-1939), rivelando la genesi di quella visione curatoriale e di quel network di relazioni che avrebbero imposto l’arte delle avanguardie al mondo intero. www.guggenheim-venice.it

15. Anish Kapoor Palazzo Manfrin | 5 maggio – 22 novembre Il vuoto, il rosso viscerale e la fenomenologia del pigmento puro. La Fondazione Kapoor a Cannaregio propone installazioni monumentali che sfidano la gravità e i limiti della percezione umana. L’artista trasforma lo spazio architettonico in un’esperienza sensoriale totale, dove l’osservatore è chiamato a confrontarsi con l’immateriale e l’infinito. www.anishkapoor.com

16. Marina Abramović: Transforming Energy Gallerie dell’Accademia | 6 maggio – 22 novembre L’evento storico delle Gallerie. La pioniera della performance art propone un percorso focalizzato sulla trasmissione di energia tra oggetto e spettatore. Attraverso video, installazioni e i suoi celebri “Transitory Objects”, la Abramović invita il pubblico a un’interazione meditativa che supera il dato visivo per toccare la dimensione spirituale e curativa dell’arte.www.gallerieaccademia.it

17. Amoako Boafo Museo di Palazzo Grimani | 6 maggio – 22 novembre Il debutto italiano del pittore ghanese porta una vibrazione cromatica dirompente all’interno del Rinascimento veneziano. I ritratti di Boafo, realizzati con la tecnica del finger painting, celebrano l’identità nera con una forza espressiva che ridefinisce i canoni del ritratto contemporaneo, creando un dialogo serrato con la ritrattistica classica presente nel palazzo. www.museogrimani.cultura.gov.it

18. 61. Biennale d’Arte: In Minor Keys Giardini della Biennale e Arsenale | 6 maggio – 22 novembre Il baricentro assoluto della stagione. Sotto la guida spirituale e teorica di Koyo Kouoh, la Biennale 2026 esplora le narrazioni fragili, le prospettive soggettive e le melodie di chi ripara il mondo partendo dalle rovine. Un invito radicale ad ascoltare le tonalità minori dell’esistenza per comprendere la complessità geopolitica e umana del presente, disertando i trionfalismi in favore di una nuova etica della cura visiva. www.labiennale.org

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Compleanno Francesco Lucianetti

La mostra di Francesco Lucianetti a Noventa Padovana

Dal 27 settembre al 29 ottobre 2025, la grande mostra di Francesco Lucianetti a Noventa Padovana, intitolata “Lungo il fiume della Serenissima”, ha celebrato il Maestro, ispiratore e riferimento culturale di tutte le iniziative FLarte.

La mostra si è svolta negli spazi di Villa Grimani Valmarana, luogo particolarmente evocativo per raccontare il tema delle Ville Venete e della Riviera del Brenta, grazie ai suoi saloni storici affrescati dal pittore e scenografo settecentesco Andrea Urbani.

Il polittico “La Riviera del Brenta”

Cuore dell’esposizione è stato il polittico lineare La Riviera del Brenta, composto da 24 formelle litografiche, in cui il Maestro Lucianetti ha rappresentato ville, giardini, rive alberate e architetture osservate dal fiume Brenta.
Una rara occasione per ammirare l’opera nella sua completezza, restituendo al pubblico la visione unitaria pensata dall’artista.

Attraverso il suo tratto personale e riconoscibile, Lucianetti ha costruito un percorso narrativo lungo le due rive della Riviera del Brenta – riva destra e riva sinistra – accompagnando l’osservatore in un viaggio sospeso tra realtà e immaginazione. Un racconto onirico ed emozionale che prende avvio dalle porte di Padova e conduce, di sponda in sponda, di villa in villa, di ponte in ponte, fino alle foci del fiume Brenta, riportando alla memoria i fasti e gli splendori della Serenissima.

Questo ciclo di litografie fu commissionato nel 1988 dall’agenzia di viaggi Siamic Express, in occasione della ripresa dell’antico itinerario del Burchiello, la tipica imbarcazione veneziana che collega Padova a Venezia navigando lungo il Brenta, costeggiando ville, giardini e paesi che rendono questo percorso ancora oggi unico.

Scultura e dialogo con la Riviera del Brenta

Ad arricchire il percorso espositivo non sono mancate due sculture in bronzo a fusione a cera persa del Maestro Lucianetti:
– La dea del mare
– Il Traghettatore

Esposte singolarmente nelle sale adiacenti al salone centrale. Opere che hanno rafforzato il dialogo tra arte, acqua e paesaggio, tema centrale dell’intera mostra.

Il live painting di Stefano Reolon

Domenica 19 ottobre, la mostra si è conclusa con un evento speciale di live painting, che ha offerto al pubblico l’occasione rara di assistere al processo creativo di un artista dal vivo.

Protagonista della performance è stato Stefano Reolon, che ha realizzato dal vivo una grande opera su supporto ligneo – alta due metri e mezzo e larga tre – raffigurante la facciata di una villa veneta.
Vestito in abiti ispirati all’architettura palladiana e scamozziana, l’artista ha animato il salone d’ingresso della villa utilizzando stecche, squadre e strumenti in legno, dando vita a una costruzione scenica e architettonica dal forte impatto visivo.

L’opera, completata successivamente, sarà esposta integralmente a metà dicembre presso la stessa villa e donata al Comune di Noventa Padovana, come segno di riconoscenza per l’ospitalità e il sostegno all’iniziativa.

Un progetto condiviso

L’ideazione e l’organizzazione dell’evento sono state curate da Barbara Codogno, in collaborazione con FLarte e con il supporto dell’Assessore Flora Tibò, che ha reso possibile la realizzazione della mostra grazie al contributo del Comune di Noventa Padovana.

Lungo il fiume della Serenissima si è così confermata come un’esperienza culturale capace di intrecciare arte, territorio e memoria, restituendo al pubblico uno sguardo poetico e consapevole sulla Riviera del Brenta e sull’eredità artistica di Francesco Lucianetti.

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